martes, 15 de septiembre de 2009

LA HORA Y EL SITIO
Martes 15 de septiembre de 2009


El día de hoy Lula Reyna presenta un espectáculo de música antigua acompañada de acróbatas y bailarines a las 20:30 horas en el local ubicado Juárez No 145 interior 12 en Talquepaque, Jalisco. Más informes al 36 59 02 07 o en la pagina www.matatinta.com

Ya esta abierta la nueva biblioteca del LARVA, puedes visitarla de lunes a viernes de 9 a 20 horas en Ocampo 120 esquina Av. Juárez. La biblioteca actualmente cuenta con un acervo de 4 mil volúmenes enfocados en diferentes disciplinas como Filosofía, Arte contemporáneo, Cine entre otros.

Ya esta abierta la convocatoria de Incubarte, en la cual podrán participar todas las personas que radiquen en el estado de Jalisco que deseen presentar proyectos susceptibles a transformarse en una empresa económica y socialmente viable dentro del sector cultural. Para más información consulta la pagina www.incubartejalisco.com

El próximo jueves se llevará a cabo la lectura dramatizada de la novela Fahrenheit 451 de Ray Bradbury. La cita es a las 20:30 horas en el Teatro Experimental de Jalisco. La entrada es libre, previa reservación al 30 44 43 21 con Vanessa García Leyva.

jueves, 10 de septiembre de 2009

LA HORA Y EL SITIO
Jueves 10 septiembre de 2009


El día de hoy se llevará a cabo la lectura dramatizada de la novela Fahrenheit 451 de Ray Bradbury. La entrad es libre, pero es necesario reservar al 30 44 43 21 con Vanessa García Leyva. La cita es a las 20:30 horas en el Teatro Experimental de Jalisco.

Todos los viernes a partir de las 22 horas se presenta Naranjito Blues en local ubicado en Morelos 666, Centro Histórico. Más informes al 36 14 81 23.

Este fin de semana se presenta la puesta en escena “Historia de un adulterio” bajo la dirección de Héctor Monteón. La cita es viernes y sábados a las 20:30 horas y domingos a las 18 horas, en el recinto ubicado en Marcos Castellanos No. 26

El día de mañana la bailarina Alfonsina Riosantos interpretará “Efímera”. La cita es en el Teatro Guadalajara del IMSS, ubicado en Av. 16 de Septiembre 868, a las 20:30 horas.

martes, 8 de septiembre de 2009

AL CINE CON LOLA
Las recomendaciones cinematográficas de Lola Estrada

Transmitido: 08 septiembre 2009

Continúa el ciclo Dos cineastas a conocer: Pedro Costa/Nobuhiro Suwa en el cine foro de la Universidad de Guadalajara

Todavía hay oportunidad de ver Juventud en marcha que es la producción portuguesa más importante del 2006. Su director Pedro Costa dice que la juventud es un riesgo y es preciso correrlo. Es un drama que trata sobre un hombre que lo acaba de abandonar su mujer. Habla sobre las generaciones, la vejez que no tiene lugar y una juventud en movimiento.

M / Other de 1999, es la segunda película del japonés Nobuhiro Suwa . Muestra de una manera muy realista a la mujer japonesa contemporánea.

No dejen de ver la excelente película turca Tres monos: no veo, no oigo, no hablo del director Nuri Bilge ceylan, quien por este trabajo obtuvo el premio a la mejor dirección en Cannes. Muy buena fotografía, humor, adecuado manejo del ritmo narrativo y la aguda ironía moral en una historia donde los que son responsables de un delito no lo asumen y por poder hacen que otros paguen.

La Alianza francesa exhibe hoy martes Elogio de amor de 2001, dirigida por Jean Luc Godard . Esta filmada en gran parte en blanco y negro y habla sobre los momentos claves del amor. Los encuentros, la pasión, las peleas, la separación a través de tres parejas, una joven, otra de mediana edad y otra de ancianos. Una película para reflexionar y verla varias veces.
DOLORES GARNICA
LECTURA EN PRÁCTICA


El creador frente a su restirador. Allí lo acompañan los recuerdos de la vista y la vista de las letras, sus lecturas. Se mezclan los libros de la infancia, los favoritos, los deliciosos y hasta los que duelen. Nunca se crea solo, siempre hay una letra ajena a lado. Esta vez algo de la biblioteca del arquitecto tapatío Luis Barragán se expone. Se exhiben los títulos, las páginas, el lomo medio hundido, los apuntes en el margen y hasta sus subrayados amarillos. Hoy conocemos mucho de la obra del Premio Pritzker de 1980 gracias a la llegada itesiana para administrar a Casa Clavigero desde hace diez años, la Casa que construyó el genio hace 80 para Efraín González Luna que hoy rememora su vida y obra con Barragán, Itinerarios espirituales, exposición bajo curaduría de Alfonso Alfaro, director de investigaciones de Artes de México y excelente mancuerna creativa de Gutierre Aceves, director del centro cultural.
De Luis Barragán no sabremos nunca todo, quizá por eso ese misterio claro que se observa en las construcciones que observamos maravillados. Este es el principio del que parece partir el curador: el descubrirnos una pequeña gran pista de su genio: la lectura, una de sus grandes pasiones. Y su vista recorrió filosofía, teoría del arte, ilustraciones, literatura y poesía sin empacho. Dime qué lees y te diré quién eres: Ortega y Gasset, Eluard, Baudelaire, Flaubert, Breton, Huxley, San Agustín, Unamuno, Claudel, Stendhal, Proust, Pellicer o Tolstoi, autores repetidos. ¿Y qué ves en los libros? Gauguin, Picasso, Piero de la Francesca, Weston, Da Vinci, Matisse, Chucho Reyes, más algo, mucho, sobre construcciones mozárabes, griegas, japonesas, indias o africanas. La exposición es un paseo por la intensa curiosidad de un buen lector, el que inauguró “la arquitectura contemporánea mexicana, como la pintura de Orozco o Tamayo, la fotografía de Álvarez Bravo o la literatura de Rulfo”, en palabras de Fernando González Gortázar.
Ahora habrá que unir los puntos a puro antojo personal. ¿De dónde la “textura espiritual y la condición térrea” que Víctor Jiménez supone en los proyectos de Barragán? ¿Cómo “la libertad para jugar con sus medios, para hacerlos chocar y ponerlos en litigio, para crear con ellos soluciones inquietantes” que explica González Gortázar, o “La obra moderna extraordinariamente reconciliada con la tradición” en palabras de Octavio Paz? De todo y de todos, de libros, viajes, música, apuntes, preguntas y respuestas. Normalmente se observa la obra de Barragán desde divisiones de influencia: la primera inspirada en la obra de Ferdinan Bac, arquitecto e ilustrador francés y la segunda cuando el arquitecto se enfrentó a la obra de Le Corbusier, de los dos, tomos maltratados de tanto leerse en la exposición. A un buen lector le sucede algo después de un buen libro.
Y para continuar con Barragán después de sus “Itinerarios espirituales”, habrá que recorrer la Capilla del Calvario en Jardines del Bosque, la Casa Cristo repleta de referencias moriscas por Pedro Moreno o la Casa Robles León, entre Madero y Pavo. Que también hay que leer a Luis Barragán.
AVELINA LÉSPER
SE BUSCA


Beauty is a cruel mistress, is it not?
Oh, beauty is a beguiling call to death and i'm addicted to the sweet pitch of its siren.

RocknRolla.

Catherine: This is an elegant crime, done by an elegant person. It's not about the money.
Detective: So, who steals a Monet, just to not sell it?
Catherine: A Monet lover.

The Thomas Crown Affair.

En mayo del 2003 a las 4 am fue robado del Museo Kunsthistorisches de Austria el salero de Benvenuto Cellini de oro y ébano con dos figuras humanas que representan al Mar y a la Tierra realizado para Francisco I de Francia. Tiene un valor actual de 55 millones de dólares y fue recobrado por la policía en el 2006. Esta es una de las piezas que el FBI en su división de Art Crime Team tiene registradas entre su top ten. Aquí también están la Madonna del Huso de Leonardo que fue robada en el 2003 del Castillo Drumlanrig en Escocia. Esta obra hasta ahora no ha sido recuperada y está valuada en 65 millones de dólares. En esta lista se encuentran las obras robadas del Museo de Isabella Stewart, de donde se llevaron La Tormenta en el mar de Galilea de Rembrandt, el Concierto de Vermeer, un autorretrato de Rembrandt y el Chez Tortoni de Manet. Suman un botín calculado en 300 millones de dólares. En la invasión criminal a Irak el espolio de sus obras de arte y antigüedades fue el más grande de la historia, y eso lo podemos poner en proporción con los de las guerras napoleónicas y la Segunda Guerra Mundial, se calcula que aun están perdidos entre 7,000 a 10,000 objetos. El robo de arte es uno de los negocios más lucrativos de la ilegalidad, se calcula que mueve 4,100 millones de euros anuales. En el sitio de Interpol la lista del total de los objetos robados suma unos 30 mil. Este robo tiene varias vertientes, por un lado los ladrones patológicos que se obsesionan con determinadas obras y las roban para mirarlas y tenerlas cerca, pero los más frecuentes son robos para coleccionistas, que sabiendo que son piezas invendibles, que jamás podrán exhibir y que les supone el riesgo de acabar en la cárcel, contratan los servicios de expertos y mandan por la obra que desean. Esta necesidad irreprimible de poseer una obra es una de las pasiones que despierta el arte, los que tenemos escrúpulos y no tenemos dinero para pagar esos crímenes vamos a los museos y vemos decenas o cientos de veces la obra que nos posee, que amamos y soñamos, la compramos en un libro o en una postal y la colocamos cerca de nosotros. Pero existen otros que usan sus fortunas y sus contactos con galeristas poco éticos y muy bien informados para contratar a un experto digno de una película de Hitchcock. Lo que es sobresaliente en este millonario mercado ilícito son las preferencias de los coleccionistas y los obsesos. Según Art Loss Regíster el artista más robado es Picasso con 710 objetos, entre dibujos, grabados, pinturas y cerámicas. Le siguen Joan Miró con 364, Marc Chagall con 317, Salvador Dalí con 275, Durero con 215, Rembrandt con 173, Andy Warhol con 171 y Renoir con 169. Si analizamos la lista de robos podemos destacar una cosa, al arte conceptual nadie se lo roba. Ni por error. Nadie hasta la fecha ha arriesgado su vida por los condones usados de Tracy Emin o la Silla de Grasa de Beuys o el urinario que se supone que es un ícono del anti arte. El más cotizado Damien Hirst con el gran alarde de su cráneo cubierto de brillantes, que ningún joyero ha podido certificar, no ha sido ni remotamente víctima de robos. Y eso es sorprendente porque si se supone que el concepto es el que da valor a las obras, los ladrones deberían creer que robarse una pila de zapatos usados es un buen negocio porque está en la Bienal de Venecia y porque el curador creó un contexto que le da valor. Pero no, no se los roban. La excusa podría ser que los autores están vivos, pero Duchamp no lo está y nunca lo han robado, y muchas obras fueron robadas con los autores en vida como es el caso del Retrato de Bacon hecho por Lucian Freud y que no ha sido recuperado. Esto me lleva a concluir que en el momento en que alguien va a violar la ley por tener una obra de arte no cree en el contexto, ni en el valor del discurso del curador, cree en el objeto, en lo que se lleva. En otras ocasiones estas obras las usan los ladrones para chantajear a las aseguradoras, como se sospecha que fue el caso de los robos de Munch, se llevan el objeto y lo regresan a la aseguradora por una parte del dinero que tendría que pagar a los afectados. Pero volvemos a lo mismo ¿Por qué no se llevan las cajas de cartón, los ensambles de muebles rotos, las instalaciones con desechos? Si se trata de chantajear cualquier objeto que esté en un museo ya tiene un valor implícito y estas obras conceptuales son súper cotizadas. La conclusión es que a los ladrones a gran escala no les gusta este anti arte, no demuestra valor en sí mismo y no merece la pena arriesgarse por él. Son obras que tienen su valor en el contexto y en el discurso, ambos intangibles, y nadie puede llevárselos. Y lo más serio, no representan nada ni a nadie. Robarse un Leonardo representa algo irrepetible, único y significa una parte insustituible de la historia y la civilización. Llevarse una instalación de bidones de plástico no representa nada. Esto es un aliciente para los museos de arte contemporáneo y galerías ultra modernas, no tienen que gastar en sistemas de seguridad, no se preocupen, sus colecciones no despiertan pasiones, ni sentimientos negativos como la codicia, tampoco invitan al delito ni son moneda de cambio entre mafiosos. Relájense nadie va a entrar jamás a llevarse sus obras, pueden dormir tranquilos y dejar de pagar aseguradoras. Los coleccionistas de anti arte pueden dejar de tirar el dinero en bodegas y seguridad, ningún ladrón va a a despojarlos. Y este anti arte les da la garantía de que pueden reponer la pieza sin que se note la diferencia, ya saben, en la basura está el repuesto.

http://avelinalesper.blogspot.com
AVELINA LÉSPER
¿QUÉ QUIERE EL ARTE CONCEPTUAL DE LA CRÍTICA?


Quiere halagos, desconoce que la crítica no sólo puede estar a su servicio, como están acostumbrados, también puede ser transgresora. Este anti arte pretende que todo nos guste. Si cuestionamos el valor de sus obras, adoptan la arrogante postura de que no entendemos. La reflexión es un proceso racional, no de sumisión. El que reflexiona, razona y por lo tanto cuestiona. Exigir que no cuestionemos vuelve a la apreciación artística un asunto dogmático.
Es una imposición dictatorial pretender que debemos pensar y apreciar las obras como ellos lo dicen, que debemos por obligación vernos subyugados por una instalación de ropa sucia o las latas de mierda de Manzzoni o la mierda de quien sea el famoso de turno. Si el arte es un proceso intelectual ¿Por qué se asustan de que hagamos uso de nuestra inteligencia para verlo y analizarlo? ¿Y por qué esperan que ese análisis sea siempre favorable? Las revoluciones que exigen la aprobación ciega de las personas son las que se han transformado en dictaduras.
Así que les tengo una mala notica, existimos personas libres, con nuestra apreciación estética sin compromisos, sincera y objetiva. Y ninguna expresión intelectual puede decirnos ni someternos a una visión sólo porque una mafia de galerías, museos, curadores, críticos y artistas han hecho del anti arte un negocio, despreciando la misión del arte.
La posición de que veamos lo que ellos ven es dogmática, esto ya le he dicho en otras ocasiones pero es necesario repetirlo, el arte no es un dogma incuestionable, el arte está ahí para que lo observemos, lo gocemos, nos emociones y lo juzguemos, si la obra provoca un pensamiento o una emoción éstas no tienen porque estar sujetas a lo que ordena el curador. Esto se pone en evidencia con los textos curatoriales, que no son analíticos, son una sucesión desmedida y desubicada de elogios que en su desproporción dejan en ridículo a las obras.
Ver estas obras no es un reto para la inteligencia, porque ni siquiera es un reto hacerlas. Lo que el anti arte llama reto es encontrar la coherencia entre los textos curatoriales y lo que vemos. Cuando esa coherencia la tendrían que lograr el artista y el curador, no el público. La palabra clave en todo esto es “reflexión”, pero no activa, quieren espectadores pasivos. La pasividad del estancamiento de estas obras es evidente en la pasividad del pensamiento que reclaman; si su visión estética se encuentra estancada no por eso el pensamiento y el desarrollo intelectual del resto de las personas tiene que detenerse. Tenemos un siglo presenciando el mismo tipo de obras, mientras la evolución de la pintura es imparable y hemos visto como de los íconos medievales, pasamos al Renacimiento y los esfumatos, y negando este ideal el hiperrealismo Barroco desgarró carnes y derramó sangre para que llegaran el siglo XVIII precedidos por grabadores demenciales y nos crearan un mundo erótico y fantástico. Las revoluciones sociales trasformaron a la pintura y nació la propaganda con David y más tarde Turner reinventó el paisaje. Cuando llegaron los Impresionistas y rompieron con su realidad para crear un mundo de erotismo social y costumbrista, irrumpieron los cubistas y los abstractos, y de estas tormentas y terremotos la evolución no se detuvo hasta llegar a nuestros nuevos hiperrealistas. Ante esta creación incontenible surgió un grupo de personas que sepultaron al arte para aportar nada, ante su poca capacidad creadora trataron de imponer sus limitaciones y lo que ellos hicieron hace un siglo es la única idea que han repetido hasta el agotamiento y la estulticia los “creadores emergentes”. Una de las características de la falta de perspectiva y realismo es la de negar la historia, negar el pasado para fundamentar el engaño de que todo se está inventando ahora mismo. No es así, estas formas que se hacen llamar nuevas expresiones no son nuevas y su aportación dentro de su limitadísima área es ínfima.
El lamentable estado del anti arte no se lo deben a la crítica que lo enuncia, se lo deben a ellos mismos, a su falta de audacia y de calidad, al conformismo con el que se han instalado, a su adicción al halago fácil, a la relación parasitaria con los curadores, y a lo intrascendental y superficial de sus ideas. Son la expresión más burguesa y conservadora del Sistema, el único objetivo de su trabajo es detener el cambio y la evolución. Anunciaron desde sus orígenes la muerte del museo y son obras que no sobreviven sin el amparo de instituciones, estas obras fuera de galerías y museos no tienen valor. Entonces resulta que si el museo debía morir, ahora lo necesitan para poder existir. Sin la creación de un espacio específico, lo que llaman contexto, las obras son nada y sólo la exhibición de esta situación los hace caer en alarma y escándalo. ¿Qué quieren provocar si cuando provocan el análisis real de lo que son, lo niegan? Quieren complicidad y sometimiento. No es posible, la elemental inteligencia impide aceptar sin protestar. Se liberaron de las academias para negar la libertad de nuestro pensamiento, craso error, dolorosa contradicción. El arte conceptual o anti arte, no puede culpar a otros por denunciar lo que ellos hacen sin sentir vergüenza.
AVELINA LÉSPER
CONTRACULTURA EN NEW YORK


Ver arte conceptual en New York es como ir a los musicales King Lion y Mamma Mia. Forma parte de la cultura oficial y bien aceptada por los tours de cristianos con camiseta “Jesus Saves” hasta vendedores de bienes raíces o real estate. Para saber cual es el arte contra cultural o counter-culture en New York establezcamos cual es el arte oficial y convencional. El arte oficial es neo conceptual: las instalaciones, los performances, el video arte, intervenciones, ready made, arte sonoro y todo lo que se llama arte contemporáneo o artes visuales. Está dentro del status conservador y reaccionario porque son las formas artísticas que florecieron con el gobierno de Bush y que están más arraigadas en los países con gobiernos confesionales o de derecha, como en México. El arte oficial es el que tiene el apoyo de los museos, las instituciones y cientos de galerías. Es una actitud muy de apoyar el status ir a inauguraciones de algún artista que montó una instalación, esto es aceptado como algo que se usa, como ver a David Letterman. El arte contemporáneo está tan instalado y apoyado que los contraculturales lo definen en una escalada muy interesante: hace quince años la gente era director de arte o decoradores, luego fueron dj’s y hoy son curadores o artistas contemporáneos. En el renglón de las galerías la escalada es la siguiente: hace quince años la gente era dueña de un restaurante, luego de un antro, hoy tienen galerías de arte contemporáneo. Es como una moda que ya está pasando, en los 90’s todos los meseros eran guionistas, hoy todos los meseros son mexicanos y los que se emborrachan en los antros son artistas visuales. Las personas que traen la moda más impostada o intencionalmente llamativa y por lo tanto cursi, como fueron los punks en su momento, son artistas contempéranos. Los curadores son los nuevos beatniks pero ligth, se visten de negro y están delgados. Existe otro trabajo de moda, asesor de arte, como hay miles de artistas, si eres nuevo rico, que son los compradores habituales de este arte, pues contratas a un asesor y te dice quiénes son los artistas que están pegando o que en un futuro van a pegar. Sus dotes de vidente cuestan caras y el cliente paga en dinero, los artistas pagan de muchas formas el favor de ser elegidos, son conocidos los escándalos de sexo y drogas que rolan entre ellos. Esto es lo mismo que cuando los ricos contrataban un asesor de imagen o de relaciones públicas, es el hobby de los financieros de fortunas efímeras o de actores de televisión. Dentro del status oficial está también hacer un catálogo sin exposición atrás y decir que eso es curaduría. Son libros de artistas con fotos fuera de foco y textos retóricos sin sentido y mal escritos y tienen antes el nombre del curador y después el del artista. Estudiar para artista visual o contemporáneo es como hace décadas estudiar turismo o ciencias de la comunicación, es una carrera de moda, para gente “bien” con contactos, dinero y deseos de dar lo que sea a cambio de una reseña o un espacio en una colectiva de instalaciones hechas con basura. En New York hay temporadas que cuando un musical tiene mucho éxito, todo el mundo abarrota las academias de danza y canto y todos quieren estar en las audiciones, pero como eso es un oficio muy duro, con un nivel de exigencia altísimo y de disciplina militar, pues se depura de inmediato y los que no sobreviven al casting regresan humildes a atender las tiendas de ropa o Sephora con una sonrisa. Pero en el arte contemporáneo no hay casting de talento, ni estándares de calidad, todo es arte y todos son artistas, así que repartirse las galerías, las expos y los tres curadores que manejan los espacios, es una lucha feroz y sin pudor. Aquí los que viven en el esplendor de su poder son los curadores, los lenones más importantes del barrio de Chelsea. Tienen en su mano gente de todo tipo, jóvenes, adictos, hombres, mujeres, guapos, feos, lo del talento no lo menciono, no es requerido. Y les basta estirar un dedo, decir un nombre y el mundo cambia. Es la nueva Babilonia. Si creían que en Hollywood se viven historias, en estas galerías de piso de concreto pulido, en estos museos de arquitectos de diseño, está la meca de la carne y las sustancias. Porque cuando hay demasiada oferta, pues los precios bajan y las condiciones de venta empeoran notablemente. Y no es para menos, los miles de artistas oficiales hacen lo mismo: performance, fotografías sin foco, rompen su casa y la remontan en la galería, recolectan basura, se fotografían desnudos en grupo y solitario. Pero hoy que todo el mundo hace eso, que la sociedad es de sensation seekers y que en You Tube encuentras más audacia que en el video arte o el performance, esto es nada, tenemos sed y no la están saciando. El arte contemporáneo es el placebo oficial, los Estados subvencionan esto porque son diversiones leves, son probaditas que aplacan. El arte contemporáneo es la sustancia oficial, es un anestésico para la inteligencia. Así que el Estado lo mantiene, las instituciones lo cuidan y los curadores lo explotan. ¿Quiénes son los contraculturales en esta mediocridad oficial? ¿Quién rompe las reglas? El arte verdadero. Saber dibujar es una revolución contracultural. El gesto más out-sider que existe es decir “soy pintor” “soy dibujante” y además saberlo hacer con maestría, no hacer los típicos rayones del arte oficial. Las galerías de vanguardia están exponiendo dibujos de grafito de 2 metros cuadrados, hiperrealistas, perfectos. Robert Longo está exponiendo dibujos de 10 metros por cuatro de altura. La contracultura es saber quien es el nuevo pintor, qué están haciendo los hiperrealistas. Las galerías comparten las mismas calles, pero las que se basan en arte oficial, ya no abren diario, el mercado se está cansando. Las galerías que exponen arte contracultural o verdadero, que no tienen entrada al New Museum por ejemplo, que no les pidieron artistas para la trienal Younger than Jesus, ponen cosas ayer impensables, esculturas de acero cromado de factura impecable de Liao Yibai, llamadas Imaginary Enemy por $50,000.00 dlls. Este precio es impresionantemente bajo porque una instalación de botes de limpiadores encimados y trapos de cocina y demás enseres domésticos atados con cables que “hablan de la condición de la mujer” de Jessica Stockholder cuestan $80,000.00 dlls. La diferencia es que una escultura cromada es una labor que exige una dedicación muy grande, los bocetos están expuestos y son dibujos espléndidos, y hay un video del taller del artista. Y pues colocar unos trapos, cables y botes vacíos de productos de limpieza no requieren ni de saber dibujar, o pintar, o hacer saber hacer algo. La contracultura está peleando por sorprender con niveles de virtuosismo alucinantes, ya han derribado el mito de que los artistas pueden existir con solo pensar, como si los artistas creadores no pensaran, y están trabajando en lograr obras impresionantes. Los dibujos en grafito y papel de Ethan Murrow: Zero Sum Pilot, son planos aéreos de gente que cae, vuela, seres que viajan, hiperrealistas, detallados hasta la obsesión. Los artistas contraculturales están orgullosos de ser virtuosos, no sostienen su obra en el exhibicionismo y la complacencia de los consumidores, están explotando su talento con la certeza de quien sólo puede hacerlo por una vez en la vida. No hay miedo, hay arte. El arte oficial aún tiene los espacios más importantes y el dinero de los nuevos ricos que compran y venden sus casas de los Hamptons cada año, pero en la periferia, con algunas galerías arriesgadas y solventes, están estos transgresores del status oficial. Hoy cuando todo el mundo hace lo mismo, existe esta corriente subterránea que está haciendo arte. En México que reaccionamos más por imitación que por innovación, es lo mismo, pero con menos fama y dinero.
LA HORA Y EL SITIO
Martes 08 de septiembre de 2009


El día de mañana a las 20:30 horas se presenta el libro de cuentos “Juegos Tridimensionles” de Aída Monteón, la presentación estará a cargo de César Prieto y Hugo Plascencia. La cita es en el auditorio del Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación ubicado en Francisco Sarabia No. 240

Ya esta abierta la convocatoria de Incubarte, en la cual podrán participar todas las personas que radiquen en el estado de Jalisco que deseen presentar proyectos susceptibles a transformarse en una empresa económica y socialmente viable dentro del sector cultural. Para más información consulta la pagina www.incubartejalisco.com

La dirección general de cultura del Ayuntamiento de Guadalajara invita a las Charlas con creadores. El día de mañana toca el turno a Enrique Blanc con el tema “Escuchando música en la era de Internet”. La cita es a las 19 horas en el Museo del Periodismo, en Av. Alcalde 225, zona centro.

Continua la exposición de pintura “Fenómenos del tiempo” de los artistas Lucy Trujillo, José Quiñónez y Raúl Aguilar, en la galería del hotel ubicado en la esquina de 16 de septiembre y Niños Héroes.